taz.de

# taz.de -- Die Musikerin Mona Mur im Interview: „Den Finger in die Wunde legen“

> Sie ist seit 1982 im Musikgeschäft und will keine musikalischen
> Kompromisse machen: Mona Mur tritt beim Pop-Kultur-Festival auf.

(IMG) Bild: Mona Mur

taz: Mona Mur, Sie haben im Frühjahr ein neues Album veröffentlicht,
„Delinquent“. Die Songs darauf haben für mich eine starke Amerika-Anmutung
– ist das ein dominantes Motiv?

Mona Mur: Ja, auf jeden Fall. Als ich mit Goldkind (Musiker und Produzent
Ralf Goldkind; Anm. d. Red.) am neuen Album gearbeitet habe, hat er diese
typisch amerikanischen Twang-Gitarren eingebracht. Und die haben bei mir
sofort Amerika-Erinnerungen getriggert, die ich im Kopf hatte.

Was kam da in Ihren Kopf?

Zwischen 2010 und 2015 bin ich exzessiv durch die USA getourt. Ich war mit
meinem Freund und Kollegen En Esch dort unterwegs. En Esch hat ja früher
die Band KMFDM („Kein Mehrheit für die Mitleid“; d. Red.) gehabt, die in
den Staaten sehr erfolgreich war. Wir hatten uns ein paar Tage in Barstow
in Kalifornien einquartiert. Wenn man von L.A. nach Las Vegas fährt, kommt
man dort vorbei. Barstow ist ein ganz eigenartiger, bizarrer Ort in der
Mojave-Wüste. Man kennt ihn aus „Fear and Loathing in Las Vegas“, wo Raoul
Duke zu Beginn sagt: „Wir waren irgendwo in der Gegend von Barstow, […] als
die Drogen zu wirken begannen.“ An der Straße, die da rausführt, sind links
und rechts Kreuze zu sehen – die Leute fahren sich offenbar tot auf einer
geraden Strecke, wo absolut nichts ist, kein Baum, kein Strauch, nur Wüste
und Straße. Es ist eine schräge Atmosphäre: An jeder Ecke ein Liquor Store,
es ist ganz ruhig, niemand auf der Straße. Dort habe ich Filmaufnahmen
gemacht, die wir im Video zu „Motorboy“ verwendet haben. Und ich habe auch
Audioaufnahmen in der Wüste gemacht.

Wie hört sich Wüste denn an?

Eigenartig. Man kann da schon etwas hören, wenn man das Lautstärkelevel
hoch genug einstellt. Man hört Insekten, Wind und die Pflanzen, die sich
bewegen.

Haben Sie denn die Musik in den USA auch noch mal anders entdeckt?

Ich habe manche Phänomene erst verstanden, als ich dort war. Zum Beispiel
gab es mit KMFDM, Ministry und diesen Bands ja eine zweite Industrial-Welle
dort, die ich erst richtig begriffen habe, nachdem ich Amerika besucht
hatte. Musik hat immer viel mit dem Land, der Politik, den Städten, der
Ausstrahlung bestimmter Orte zu tun. Es geht mir oft so, dass sie sich mir
erst erschließt, wenn ich dort bin, wo sie entstanden ist.

Die Achtziger in Berlin haben auch eine spezielle Musik hervorgebracht,
Postpunk klang hier besonders radikal, sperrig, apokalyptisch. Sehen Sie
sich als Berliner Achtziger-Jahre-Gewächs?

Nein, überhaupt nicht. Erst mal bin ich gar nicht aus Berlin, ich bin aus
Hamburg und eigentlich auf der ganzen Welt tätig gewesen. Ich war damals
nur zum Teil in Berlin. Wobei die Achtziger natürlich toll waren hier. Es
war eine sehr kreative Zeit. Und die zweite Mona-Mur-Phase, Mitte der
Achtziger, die ist tatsächlich mehr hier passiert, damals waren unter
anderem FM Einheit, Alexander Hacke und Nikko Weidemann in meiner Band. Da
hat man nachts gelebt. Ich habe unter prekären Bedingungen bei
verschiedenen Freunden gewohnt. Ich habe auch mal bei FM Einheit in der
Wäschekammer gewohnt.

Warum sehen Sie sich trotzdem nicht als Kind jener Zeit?

Ich möchte mich da einfach nicht so einordnen. Die ganze Welt ist besessen
davon, Dinge einzuordnen. Im Fall von Kunst lehne ich das ab.

Zumindest gibt es aber Klangfarben, die man mit bestimmten Orten und Zeiten
verbindet. Berlin in den Achtzigern hatte diesen besonderen Sound.

Mein erstes Album, „Jeszcze Polska“ 1982, ist aber komplett in Hamburg
entstanden. Wir hingen damals in St. Pauli ab. Auch FM Einheit und
Alexander Hacke waren zu der Zeit mehr dort.

Die Verbindung Berlin-Hamburg in der Musikszene war zu Mauerzeiten ohnehin
sehr eng.

Ja. Aber auch da gab es Unterschiede. Hamburg hatte international eine
Verbindung zu London und England, es wollte immer härter als London und
Liverpool sein. Berlin hatte eher diese New-York-Connection. Und eine
Atmosphäre von „Seele brennt“, von Beton- und Mauerstadt.

Sie haben nach Ihrem Debüt mit Stücken wie „Wild ist die Welt“ (1983) einen
ganz anderen Sound gemacht, und Ihre Erscheinung war auch weniger punkig.

Der Song „Wild ist die Welt“ war ein Versuchsballon. Diese Single ist nie
offiziell erschienen, davon gibt es nur 50 Stück. Wir fanden das alle zu
unausgegoren. Nach „Jeszcze Polska“ lag die Band erst mal auf Eis, die
anderen waren mit Neubauten beschäftigt. Dann hat die WEA, also Warner,
buchstäblich bei mir an die Tür geklopft. Ich war sehr jung und unerfahren.
Die sagten: „Du hast doch so eine tolle Platte gemacht, hast eine super
Stimme, kannst du nicht ein bisschen was Netteres und Leichteres singen?“
Heute weiß ich, dass man so etwas nicht machen darf, selbst wenn man mit
großartigen Musikern zusammenarbeitet.

Sind da nur die Songs „Casablanca“ und „Wild ist die Welt“ entstanden?

Ja. Joachim Witt hat die Musik geschrieben, ich die Texte. Erst ein paar
Jahre später begann ich selber Lieder zu schreiben. Wenn du eigentlich
Independent oder Underground bist, oder wie auch immer du es nennen willst,
und dann kommt diese fette Industrie, die nach ganz anderen Regeln spielt,
musst du das erst mal lernen. Das ist eine Industrie, die Produkte
herstellen möchte, die möglichst keine Widersprüche in sich tragen. Sie
wollen dich immer umbürsten. Ich sag jetzt mal ‚sie‘, als Pars pro Toto für
die Major-Musikindustrie. Nach so vielen Jahrzehnten kann ich schon beinahe
darüber lachen. Ich habe dadurch gelernt, dass es wichtig ist, geradlinig
zu sein und sich nicht verbiegen zu lassen. Man kann sich als Künstler
durchaus als Produkt sehen, darum geht es nicht, wir sind ja Teil einer
kapitalistischen Verwertung. Und wenn ich mich nicht auf diesem Markt sehe,
kann ich ja gleich zu Hause bleiben.

Welche Erfahrungen haben Sie als Frau damals in der Musikbranche gemacht?

Damals war es während der Produktionen häufig so: Als Frau sollte man
singen und sich sonst raushalten. Für mich war das auch der Grund, Ende der
Achtziger Maschinen anzuschaffen und selbst elektronische Musik zu
produzieren. Ich mache seither meinen Sound selbst.

Was hat sich bis heute verändert?

Inzwischen haben wir grundsätzlich eine ganz andere Situation. Heute
besitzen wir die Produktionsmittel selbst. Damals war es eine andere Welt.
Da gehörtest du zu einer kleinen Elite, die es in diese teuren Tonstudios
schaffte, die einen Tausender am Tag kosteten. Was die Gleichberechtigung
von Frauen in der elektronischen Musik betrifft, werden ja gerade viele
Kämpfe geführt – und die sind noch nicht gewonnen.

Sie treten häufig in Polen auf, Ihre erste Veröffentlichung mit den Zeilen
„Jeszcze Polska nie zginęła“ („Noch ist Polen nicht verloren“) haben Sie
schon erwähnt. Sie haben das Album „Warsaw“ mit dem Warsaw Symphony
Orchestra aufgenommen. Wie kam es zu der besonderen Verbindung zu dem Land?

Meine Familie hat Wurzeln in Polen und in der Ukraine. Polnisch ist eine
phonetisch sehr expressive Sprache. 1981, als Mark Chung, FM Einheit und
Alex Hacke mich mit in ihren Hamburger Proberaum nahmen, war Polen so weit
entfernt wie ein fremder Planet. Dass ich mit Donnerstimme ausgerechnet
polnische Zeilen heraushaute, hat diese Kollegen beeindruckt. Acht Jahre
später, zum Mauerfall, habe ich in Warschau ein Album mit dem polnischen
Superstar Grzegorz Ciechowski und dem Warsaw Philharmonic Orchestra
aufgenommen. Das habe ich Dieter Meiers (Mitgründer und Sänger von Yello,
Anm. d. Red.) kluger Umtriebigkeit zu verdanken. Dieter hat erkannt, dass
es genau der richtige Ort zur richtigen Zeit war.

Auf „Warsaw“ klingt ein Kurt-Weill-Einfluss an.

Ja, seit Mitte der Achtziger, der zweiten Mona-Mur-Phase, habe ich
Brecht/Weill-Songs im Repertoire, zum Beispiel „Surabaya Johnny“ und „Die
Ballade vom ertrunkenen Mädchen“. Wir haben die nicht auf traditionelle Art
und Weise gespielt, sondern laut, düster, zäh und heavy. Mit zwei fetten
Gitarren.

Wie kamen Sie zu Kurt Weill?

Ich habe in Frankreich Anfang der Achtzigerjahre die „Mahagonny“-Aufführung
von Hans Peter Cloos gesehen, die mich unglaublich beeindruckt hat. Da habe
ich Lieder näher kennengelernt, die ich vorher gar nicht so toll fand. Dort
wurden sie anders gespielt, mit Elektronik. Das war damals sehr weit vorne.
Deswegen habe ich meiner Band damals vorgeschlagen, die Stücke neu zu
interpretieren.

Ihr neues Album heißt nun „Delinquent“. Das ist ein Wort, das mir länger
nicht begegnet ist.

Sie meinen, es ist altmodisch?

Für mich schwingt da ein bisschen schwarze Pädagogik mit, ein bisschen
BRD-Disziplinargesellschaft. Es hat mich in negativem Sinne an eine Zeit
erinnert, in der man Leute, die anders waren, als „Abweichler“, als
„Delinquente“ labelte.

Ja, das darf alles gerne mitschwingen, das ist Absicht. Es gibt aber
verschiedene Antworten, warum das Album so heißt. Erst mal bezeichnet
„delinquent“ ja etwas, das quer zu den Gegebenheiten ist. Das Wort hat auch
die Bedeutung „straffällig“. In dem Sinne könnte man sagen: Wir sind alle
delinquent, weil wir uns an der Erde, an den Tieren, aneinander
versündigen, uns gegenseitig bekämpfen, alles vergiften und verwüsten. Und
dann könnte ich es auch auf mich beziehen: Ich bin jemand, der sich nicht
anpasst, der nicht irgendwelche künstlerischen Kompromisse macht. Ich mache
die Musik, die ich machen will. Das habe ich immer so gehalten. Und dafür
werde ich abgestraft. Aber auch das ist mir egal.

Das machen zu können, ist aber auch ein Luxus.

Für mich ist es eine Notwendigkeit. Ich habe keinen Grund, Musik zu machen,
die so klingt wie von fünfzehn anderen. Es ist mir ein Rätsel, wieso ich
dann überhaupt tätig werden sollte.

In dem Titelsong auf „Delinquent“ wird die Zeile „Ich will zu viel“
wiederholt, am Ende singen Sie „Ich bin zu viel/ Für die Welt/ Für die
Gesellschaft“ …

… das ist die Pflicht eines jeden Künstlers, einer jeden Künstlerin. Das
ist mein Berufsethos. Vielleicht etwas altmodisch, aber so bin ich. Der
Künstler muss den Finger in die Wunde legen.

In „Vielen Dank, Herr Kapitän“ geht es um Kannibalismus, Sie singen „Im
Land der Kannibalen/ Geht alles streng nach Plan/ Fressen und vertilgen/ Im
Fleischberg Ozean“. Ist das eine Bestandsaufnahme des Spätkapitalismus?

Das ist ziemlich eindeutig, oder? Dass es so entfesselt abgeht, hätte man
kaum geglaubt, als die Mauer fiel. Vielleicht dachte man damals noch naiv,
jetzt siege das Gute, Wahre und Schöne. Ich finde diesen Spätkapitalismus
sehr bedrohlich. Dass der Profit als einziges Kriterium dafür gilt, ob
etwas gemacht wird oder nicht, halte ich für verderblich. Es betrifft alle
Bereiche, vom Wohnraum bis zum Wasser. Auch Massentierhaltung finde ich
ganz schlimm – ein Frevel.

Die aktuell großen Themen wie Klimaschutz stecken schon lange in Ihrem
Werk?

Ja, aber ich stecke selbst ja auch mitten in dem System drin. Ich
verbrauche Strom, wenn ich meine Synthesizer anschalte, und ich fliege auch
mal beruflich nach London.

Mit dem schon erwähnten FM Einheit haben Sie auch ein aktuelles gemeinsames
Projekt, oder?

Ja. Es heißt Henker & Jäger, wir machen gemeinsam mit Simone Kermes, En
Esch und Ticro Goto einen Liederabend über den Hass als kollektive
Besessenheit. Am 4. Dezember in München ist die Aufführung.

Geht es um den Hass von rechts?

Ich möchte es gar nicht so politisch einordnen, obwohl aus der Ecke
natürlich üble Sachen kommen. Aber es geht eher um das Hass-Ablassen. Heute
hat jeder die Möglichkeit, sich völlig hemmungslos auszukotzen, ob anonym
oder nicht. Ich denke, dass das Aufkommen des Internets und der sozialen
Medien eine kulturhistorisch neue Situation ist. Das, was mal ein
demokratischer Gedanke war – „jeder hat eine Stimme“ –, zeigt sich jetzt
von einer schrecklichen Seite. Und Hass scheint ansteckend zu sein. FM
Einheit und ich gehen von dem Gedanken eines Felds aus, in dem Prozesse
sich gegenseitig verstärken. Es geht auch um den Hass als etwas, das uns
womöglich alle verbindet, das nicht nur situativ entsteht, sondern als Teil
von uns aktiviert werden kann. Wir forschen noch daran.

Sie produzieren seit vielen Jahren Soundtracks für Computerspiele – ein
ganz anderes Feld. Wie kam es dazu?

Ich bin Ende der Neunziger für einen befreundeten Komponisten
eingesprungen, der einen Auftrag nicht übernehmen konnte. So habe ich
einige Jahre für die Gameentwickler Terratools nichtlineare, elektronische
Soundscapes entworfen. Ich fragte mich damals ohnehin gerade, wohin ich mit
meiner Musik will. Ganz sicher wollte ich nicht in diese Dance-Abteilung,
wo Leute schon seit 20, 30 Jahren arbeiteten und mir Lichtjahre voraus
waren. Ich entwickelte ungewöhnliche Sounds, eigenartige Klangwelten – das
war für die Branche interessant.

Sie haben auch ein sehr erfolgreiches Spiel vertont.

Das war 2010 das Game „Kane & Lynch 2: Dog Days“, eine internationale
Großproduktion. Dass ich diesen Auftrag bekommen habe, war in etwa so, als
würde St. Pauli in der Champions League spielen. Das Spiel habe ich
komplett mit Soundscapes à la Throbbing Gristle vertont, da hat mir mein
Industrial-Background geholfen. Sie wollten ausschließlich Musik verwenden,
die in den Szenen verankert ist; diegetische Musik sagt man dazu. Und sie
wollten einen düstereren Soundtrack als beim ersten Teil. „More fucked
up“, sagten sie. Das war der Terminus technicus.

Spielen Sie selbst auch?

Nein. Dazu habe ich keine Zeit. Aber ich habe Freunde, die für mich
spielen. Tandem-Gaming sozusagen. Ich finde audiovisuelle Welten geil und
spannend, ich war auch immer schon Science-Fiction-Fan.

Zu den Dingen, die Sie können, gehört Taekwondo.

Taekwondo habe ich mit zwanzig angefangen. Vorher habe ich Aikidō gemacht.
Ich habe eine Martial-Arts-Affinität. In Hamburg habe ich ein paar Semester
Sport studiert, aber das hat mir nicht gefallen – die Turnhallen, die
Leichtathletik, das „höher, weiter, schneller“. Dann kamen erst mal zehn
Jahre Punk und Rock ’n’ Roll. 1990, in Berlin, habe ich mit dem Taekwondo
nochmal von vorne angefangen und bin seitdem dabeigeblieben.

Sie waren im Nationalteam.

Ja. Weil ich diese Kampfkunst liebte, und weil sie mir so geholfen hat. Ich
habe aufgehört zu rauchen und zu trinken, stattdessen ging ich vier Mal die
Woche zum Sport. Man könnte auch Suchtverlagerung dazu sagen.

Aber Ehrgeiz müssen Sie auch entwickelt haben?

Ich glaube, ich war nur deshalb erfolgreich, weil es immer mehr Spaß macht,
wenn man etwas immer besser kann. Ich habe nicht gedacht: Ich will ins
Nationalteam. Das hat sich so ergeben.

Wie hat es Ihnen geholfen?

Es hat mich im Kopf gerade gerückt, die Energie kanalisiert. Du kannst
Aggression rauslassen, kannst auf den Sandsack eindreschen und Kampfschreie
von dir geben. Also all das machen, von dem man den Mädels lange sagte,
dass sie es nicht tun sollten. Das fand ich unheimlich gut. Mittlerweile
sind viele Frauen am Start beim Taekwondo. Ich bin sicher, wenn man das an
der Schule unterrichten würde, würden die Leute befriedeter durch die
Gegend laufen.

18 Aug 2019

## AUTOREN

(DIR) Jens Uthoff

## TAGS

(DIR) Lesestück Interview
(DIR) Popkultur
(DIR) taz Plan
(DIR) Echo
(DIR) HipHop
(DIR) Festival "Pop-Kultur"
(DIR) Festival "Pop-Kultur"
(DIR) Klaus Lederer
(DIR) Pop

## ARTIKEL ZUM THEMA

(DIR) Kinotipp der Woche: Badass im Kino

Postpunk, Filmmusik und ein verspätetes Debütalbum: Die Musikdoku „Mona Mur
In Conversation“ feiert Premiere im Lichtblick-Kino. Mona Mur kommt auch.

(DIR) Pop-Kultur Festival: Unterkomplexe Debatten

Bei der Pop-Kultur widmeten sich zwei Talks Antisemitismus und Sexismus im
HipHop. Die Diskussionen gingen nicht über Offensichtliches hinaus.

(DIR) Porträt des HipHop-Duos Klitclique: Zugezogen feminin

Den Spieß umdrehen: Das Wiener Duo Klitclique setzt die maskulin besetzten
Rap-Konventionen außer Kraft. Nun kommen sie nach Berlin.

(DIR) Pop-Kultur Festival in Berlin: Pop als Work in Progress

Am Mittwoch startet die fünfte Ausgabe des Festivals „Pop-Kultur“ in
Berlin. Was man dort nicht findet: Bequemes und Konventionelles.

(DIR) Musikfestival in Berlin: Rettet Pop die Welt?

International, divers und immer gut gemeint: Das Musikfestival Pop-Kultur
2019 will Maßstäbe setzen – und damit auf die ganze Welt ausstrahlen.

(DIR) Die freie Literaturszene in Berlin: Schluss mit dem Mythos vom Genie

Insgesamt bekommt die Berliner Kultur mehr finanzielle Unterstützung vom
Senat denn je. Manche sind dennoch unzufrieden.

(DIR) Pop-Kultur-Festival in Berlin: Mitsing-Mantra gegen die Angst

Trost stiften. Auch das kann Popkultur. Und ganz beiläufig
gesellschaftlichen Dialog ermöglichen, jenseits von Fake News und sozialer
Spaltung.