# taz.de -- taz🐾thema: Ein Geysir neuer Bilderwelten
       
       > Kunst im Herbst: Während sich das Museum Ludwig in Köln auf Pflanzen
       > kapriziert, ist im Kunsthaus Zürich das Werk von Niki de Saint Phalle zu
       > sehen. Die Berlin Art Week zieht es in die Peripherie
       
 (IMG) Bild: Otto Feldmann, Park mit Palme und Herr in Blau, 1911/1913, aus der Ausstellung „Grüne Moderne“ im Museum Ludwig, Köln
       
       Von Jana Janika Bach
       
       Bloß nicht wieder zusperren, lautet die Botschaft an die Kultur, einhellig
       zu vernehmen von Bayern bis Berlin. Das wolle wirklich keiner. Eigentlich.
       Sinistres braut sich zusammen, und der Ausblick auf die kühlere Jahreszeit
       bietet kaum Anlass zur Freude. Gäbe es da nicht die Kunst selbst, als
       hellen Streif, Tor und Fenster in andere Welten.
       
       In Köln wirkt sie wie ein Vergrößerungsglas. Mikro statt Makro heißt es
       beim Besuch im Museums Ludwig, mit dem sich sogar der Sommer ein wenig
       verlängern lässt. „Grüne Moderne. Eine neue Sicht auf Pflanzen“ (17. 9.
       22–22. 1. 23), so der zugkräftige Titel der Ausstellung, die nicht die
       Natur im großen Maßstab meint, sondern das einzelne Gewächs und ins frühe
       20. Jahrhundert führt.
       
       In eine Zeit, als der Stummfilm „Das Blumenwunder“ Menschen mit
       Zeitrafferaufnahmen begeisterte – wie den jüdischen Philosophen Walter
       Benjamin, allgemein ein Verehrer des Phänomens passagerer Zustände. Angetan
       von den vor Augen geführten technischen Neuerungen, schrieb er zwei Jahre
       nach Uraufführung des cineastischen Wunderwerks im Piccadilly 1926 quasi
       eine Ode. Ob nun die Pflanzen beim Wachsen beschleunigt oder um ein
       Vierzigfaches vergrößert würden, heißt es etwa im Text, „in beiden Fällen
       zischt an Stellen des Daseins […] ein Geysir neuer Bilderwelten auf“.
       
       Mit einem Superlativ lockt indes die Royal Academy of Arts in London, sie
       bietet das immersive Kunsterlebnis des Jahres. Nach Anish Kapoor und Antony
       Gormley wird der namhafte William Kentridge die Akademie bespielen (24. 9.
       22–11. 12. 22). Mit seinem poetischen Schwarzweiß-Miniaturtheater, in denen
       er Schattenrisse und Frottagen durch Stop-Motion-Technik zum Tänzeln
       bringt, und als Gegner des Apartheidregimes erlangte der Südafrikaner
       Weltruhm. Meterhoch wurden die Wände für seine gewaltige Installation
       tapeziert. Den magischen mit Holzkohle gezeichneten Wald sollen skurrilen
       Figuren bevölkern, etwa ein Purzelbaum schlagendes Rhinozeros mit Megafon.
       
       Wer sich einmal in ihren intimen Porträts verloren und wiedergefunden hat,
       wird der Malerei von Alice Neel für immer verfallen sein. Über Jahrzehnte
       schuf sie ein malerisches Œuvre von singulärer Kraft und ließ im Leben kaum
       etwas aus – Nervenzusammenbruch, Tod der kleinen Tochter, Kubareisen, Söhne
       von zwei weiteren Vätern. Doch tragischerweise blieb ihr die Anerkennung
       lange verwehrt.
       
       Im Jahr 1900 geboren passte Neel – Kommunistin, Frauenrechtlerin,
       alleinerziehend – nicht zur mondänen Art-Szene Downtown Manhattans. Mit
       ihren „pictures of people“, schonungslosen „Seelenbildern“ von Nachbarn,
       Prominenten, den eigenen Kindern, ließ sie sich schwer oder allenfalls
       irgendwo zwischen Neuer Sachlichkeit und Expressivität verorten. Auch nach
       der Retrospektive im Whitney Museum in New York, die das Werk der damals
       74-Jährigen erstmals einer Öffentlichkeit bekannt machte, galt Neel weithin
       als berühmte Unbekannte. Vor einer Leinwand sitzend sei sie frei gewesen
       und glücklich, sagte die Künstlerin vor ihrem Tod 1984. Dass sich ihre
       Geschichte auf vielerlei Arten erzählen lässt, bestätigt auch „Un regard
       engagé“ im Centre Pompidou in Paris (5. 10. 22–2. 1. 23). Eine Ausstellung,
       die Frühes aus den 1920ern bis zum Spätwerk hinsichtlich des
       sozialpolitischen Engagements Neels neu sortiert.
       
       Heute wird Niki de Saint Phalle zu den populärsten, immer öfter zu den
       innovativsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts gezählt. Ihre üppigen
       Frauenfiguren, die Ende der 60er Jahre einen Nerv trafen, stehen an Orten
       in aller Welt. Lange unterschätzt indes wurde, welche Bedeutung die 1930
       geborene Französin für die Kunstgeschichte hat. Die gigantisch Liegende –
       in den Brüsten eingerichtet eine Milchbar, im Unterleib ein Eingang –, die
       sie für das Stockholmer Moderna Museet entwarf, wurde als „größte Hure der
       Welt“ betitelt. Dabei markierten die „Nana“-Skulpturen einen Wendepunkt in
       de Saint Phalles von Krisen geprägtem Werk und Leben.
       
       Arbeitete sie zunächst als Model für Zeitschriften wie Vogue oder Elle,
       beschloss sie 1953 in einer Psychiatrie Künstlerin zu werden. Sie begann
       mit den „Schießbildern“, ein performativ-martialischer Akt und
       feministischer Befreiungsschlag in einem. In weißem Hosenanzug legte sie
       das Gewehr an, die Farbbeutel in den Gipsreliefs zerplatzten – ein
       Aufbegehren gegen die Herkunft, das Patriarchat, gegen den missbrauchenden
       Vater. Spät formt sie mit ihrem zweiten Mann Jean Tinguely Großformatiges,
       wie den Strawinski-Brunnen.
       
       Über zehn Jahre gestaltet sie mit Tinguely und Freunden ihren Tarot-Garten
       in der Toskana, bevor sie 2002 in San Diego, Kalifornien, stirbt.
       Hinterlassen hat sie ein Gesamtwerk, das in seiner Vielfältigkeit
       überrascht, wie im Kunsthaus Zürich (2. 9. 22–8. 1. 23), danach in der
       Frankfurter Schirn (3. 2. 23– 31. 5. 23) zu sehen sein wird. Ausgestellt
       werden dort frühe Assemblagen, Aktionskunst und Grafik, die Nanas, der
       Tarotgarten und späte Plastiken.
       
       In Düsseldorf taucht de Saint Phalle in diesem Herbst ebenfalls auf, als
       Weggefährtin von Christo und Jeanne-Claude. Eine Schau im Kunstpalast (7.
       9. 22–22. 1. 23), der letzten, die Christo kurz vor seinem Tod im Mai 2020
       noch absegnete, kontextualisiert das künstlerische Erbe des umtriebigen
       Künstlerpaares, etwa mit Gemälden von Lucio Fontana oder Yves Klein. Zudem
       gibt sie Einblick in sämtliche von Christo und Jeanne-Claude realisierten
       Projekte seit „Wrapped Coast“ von 1968/69.
       
       Wie viel männlicher Chauvinismus steckt in Mies van der Rohes Museumsbau?
       Eine das Fundament erschütternd berechtigte Frage, der Monica Bonvicini
       passenderweise in der Neuen Nationalgalerie auf den Grund geht. Die in
       Berlin lebende Italienerin übt, wenn auch lustige, doch handfeste
       Institutionskritik. Auch hinter den Fassaden der architektonisch aalglatten
       Ikonen der Moderne verbergen sich verkrustete Machtstrukturen. „Elegance
       and Crime“ (28. 10. 22– 2. 4. 23) präsentiert in der oberen Halle Bekanntes
       und neue Produktionen.
       
       In Berlin, „einer im märkischen Sand gelegenen Insel“, trifft man sich
       außerdem, kommt dem nichts in die Quere, zur Berlin Art Week (14. 9. 22–18.
       9. 22). Wie so viele, die es wegen der hohen Lebensqualität oder Mietpreise
       ins Umland verschlägt, zieht das Festival dieses Jahr hinein in die
       Peripherie. Fast seit 25 Jahren ist sie Hauptstadt, für die einen noch
       immer magisch, die anderen degradieren sie als in Teilen provinziell oder
       sagen gar, wie der Autor Jens Bisky, sie sei „eine große Stadt“. Ein
       Spannungsfeld, das es im Speckgürtel zu untersuchen gilt.
       
       27 Aug 2022
       
       ## AUTOREN
       
 (DIR) Jana Janika Bach
       
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